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BLOG 藤本幸弘オフィシャルブログ

カテゴリー:音楽・オペラ・バレエ・ミュージカル

バッハのゴールドベルク変奏曲とアンチエイジングの科学

バッハのゴールドベルク変奏曲とアンチエイジングの科学

昨夜、友人たちとのスレッド話題になったのが、バッハの『ゴールドベルク変奏曲(BWV 988)』。

僕自身もこの曲は何度となく聴き込み、全曲を記憶しているほど。

CD棚を探すと、グレン・グールドの1955年録音と1981年再録音、そしてアンドラーシュ・シフの盤が出てきました。

この作品は、バッハのパトロンであったケイザーリンク伯爵の不眠症を癒すために、若き弟子であったヨハン・ゴットリープ・ゴルトベルク(Johann Gottlieb Goldberg)が演奏することを目的として書かれた――という有名な逸話があります。

実はこの曲、以前ユニバーサルミュージックから依頼された「不眠対策クラシック」のコンピレーションCDを監修した際、真っ先に選んだ一曲でもあります。

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時差ボケが抜けない今、改めて聴いてみると、心拍が整い、自然と眠りに誘われるような穏やかさを感じます。

■ ゴールドベルク変奏曲とは?
1741年、J.S.バッハによって出版されたこの鍵盤楽曲集は、「アリア + 30の変奏 + 再びアリア」という32曲で構成されます。
全変奏はアリアのバスラインに基づき、カノン、舞曲、フーガ、トッカータなど様々な形式が展開されており、とりわけ3の倍数の変奏がすべてカノンであるという対称的構造が特徴です。
最終の第30変奏は「クォドリベット(Quodlibet)」と呼ばれるユーモラスな民謡の寄せ集めで、バッハの理知と人間味が同居する傑作です。

■ 音楽が副交感神経を優位にするという科学
このゴールドベルク変奏曲が、なぜリラックスや睡眠、そして老化抑制(アンチエイジング)に繋がるのか――
それは副交感神経を優位にする作用が、音楽療法や生理学の研究によって明らかになっているからです。

● 実際の研究報告:
1. Trappe H-J. (2010, Herz)
→ バッハの音楽は「安定した律動と和声」によって副交感神経を活性化。

2. Bernardi et al. (2006, Heart)
→ バッハを含むゆったりとしたクラシック音楽は、呼吸数を減らし、迷走神経活動を高める。

3. Okamoto et al. (2013, J Physiol Anthropol)
→ ゴールドベルク変奏曲のような穏やかなテンポと構造性は、運動後の副交感神経の回復を促す。

■ メカニズム:なぜ副交感神経を優位にするのか?
ゆっくりしたテンポ(60〜80 bpm)
心拍の同期(entrainment) → 心拍数低下
構造的対称性と繰り返し
安心感と予測性 → 扁桃体の過覚醒が鎮静される
和声の安定と低周波の支配
迷走神経の刺激 → 胃腸・循環器系がリラックス
アリアの長調・装飾音の抑制感
快楽報酬系よりも「静けさ」を喚起
などが指摘されていますね。

◾️聴くことで「整える」処方薬
『ゴールドベルク変奏曲』は単なるバロックの傑作ではなく、神経の鎮静を誘い、自律神経のバランスを整える音楽処方薬とすら言える存在。
その結果として、睡眠の質が改善され、ストレス反応が軽減し、ホルモン・免疫・代謝のリズムが再調整される――
つまり、それは老化のブレーキをかけることに他なりません。
「副交感神経優位な時間を意識的につくることが、最も根源的なアンチエイジングである」
そんな言葉の意味を、静かにアリアが教えてくれます。


「どんな音も波の足し算」 人類史上 最重要方程式ベスト10 その2

「どんな音も波の足し算」

人類史上 最重要方程式ベスト10 その2

フーリエ変換は複雑な波を単純な周波数成分に分解する技術

フーリエ変換(Fourier Transform)は一見難しく感じますが、イメージさえ掴めばとても直感的で「音楽や光を分解する魔法の道具」のようなものです。中学生向けにやさしく説明します。

■ フーリエ変換って何?

一言で言うと:
どんな波でも、「いろんな高さの音の組み合わせ」に分ける方法。

分野  使い方の例
音楽  曲の中の音の高さ(周波数)を調べる
画像  写真のぼかしや鮮明化(MRIやCTスキャンも)
通信  スマホやWi-Fiの信号を分解して復元
地震  地震波を分析して、どこが揺れたかを見る
宇宙  星や銀河の光を分けて、何でできているか調べる

■ たとえば「音」を考えてみよう!

ギターの音やピアノの音を録音すると、波みたいな形が見えますよね?
でもその音は「いくつかの音(周波数)」がまざったものです。

フーリエ変換を使うと、
• この音には「ド(261Hz)」が何%、
• 「ミ(329Hz)」が何%、
• 「ソ(392Hz)」が何%入ってるか
というふうに、「音の成分表」みたいなものを作ることができます。

■ たとえるなら…

● フーリエ変換は「プリズム」
光 → 白いけど、プリズムに通すと「虹(赤・青・緑…)」に分かれる。
音 → ゴチャっとした音をフーリエ変換にかけると「ド・レ・ミ・ファ…」に分かれる。
つまり「混ざったものを、きれいな材料に分ける」のがフーリエ変換!

■ 中学生向けまとめ

音や光などの波を「材料(周波数)」に分ける技術
プリズムが光を虹に分けるように、フーリエ変換は波を音に分ける
身の回りの音楽・画像・スマホ・宇宙にまで使われる


「バッハ無伴奏チェロ組曲とワインの調べ」

昨晩はゴルフ医科学研究所にて定期的に開催している、「バッハ無伴奏チェロ組曲とワインの調べ」でした。

バッハのチェロ組曲も3周目。昨晩は第五番に素敵なワインを組み合わせて、

音楽から  聴覚と触覚

ワインから 味覚と嗅覚

そしてもちろん視覚も刺激する

五感を楽しむ会になりました。

まさに調律の天才のバッハ。何度も聴いているうちに、知識も経験も増えてきます。

昨晩も僕がチェリスト金子鈴太郎さんに質問したのですが、

バッハが《無伴奏チェロ組曲(BWV 1007–1012)》で選んだ6つの調性

1. ト長調(G major, BWV 1007)
2. ニ短調(D minor, BWV 1008)
3. ハ長調(C major, BWV 1009)
4. 変ホ長調(E-flat major, BWV 1010)
5. ハ短調(C minor, BWV 1011)
6. ニ長調(D major, BWV 1012)

五線譜には多くの調があるにも関わらず ト長調で始まり、ハとニの2つは長調と短調が選ばれており、変ホ長調も含まれるのです。

この選定には、どんな意図があったのか?と言う事なのですが、色々調べてみました。

1. 楽器(バロック・チェロ)の調弦と共鳴効果

バロック時代のチェロは、現代のような金属弦ではなくガット弦を使用しており、自然倍音(オープン・ストリングの共鳴)を活かした演奏が重要でした。そのため、開放弦(C-G-D-A)に合う調性は響きが良く、特にG、D、Cなどは自然共鳴を活用しやすい。
第1番(ト長調)はG弦・D弦の共鳴を活かす最も自然な調。
第3番(ハ長調)はC弦との響きが美しく、豊か。
第6番(ニ長調)は、実は5弦のピッコロ・チェロ(高音弦Eが加わる)で想定されていたとされ、高音域への展開が可能になっている。
調性の選定には、物理的な響きの最適化という技術的な背景があったそうなのです。

2. 調性による情緒的・精神的コントラスト

バッハは、6つの組曲にわたって明調と短調を交互に配置しつつ、全体として精神的な旅路を感じさせる構成にしています。
第1番ト長調
純粋で明快、始まりにふさわしい
第2番ニ短調
哀愁と深み、瞑想的
第3番ハ長調
豊かで伸びやか、開放感
第4番変ホ長調
崇高で堂々、荘厳な響き
第5番ハ短調
最も重く劇的、バロック的悲劇性
第6番ニ長調
解放と歓喜、到達点として輝かしい
といった感じです。
明暗のバランスだけでなく、「昇華」や「変容」のドラマが仕組まれているのです。

3. 音楽的・構造的対称性

ある研究者は、バッハが左右対称的に調性を配置しているとも述べています。
中心を軸にして外側へ展開するような構成(G–D–C–Eb–c–D)
ハ長調とハ短調(同主調)を組み込むことで、対位的な平衡をつくる
最後に「ニ長調」で終えることで、精神的に明るく昇華される

4. なぜこの6つの調だったのか?

結果、バッハがこの6つを選んだのは、以下の3点の調和を実現するためなのですね。
• 楽器の物理的共鳴と技術的可能性
• 精神的・情緒的な対比と物語性
• 調性による構造的な秩序と対称性
つまり、これらは単なる「技術練習曲」ではなく、音響的にも精神的にも構築された「芸術的宇宙」とも言えるのです。

生演奏による音楽は、聴覚の可聴域の上下の多くの音波を含んでおり、多くは肌の受容体がこれらを受け止めて脳に刺激を送っていて、脳や身体に多くの効果がある事がわかっています。

https://www.facebook.com/1486146253/videos/pcb.10237240710585754/1360848231864883

感性を豊かにするためにも、生演奏を聴く機会を増やしたいですね。

次回は5月30日。第六番組曲。

解放と歓喜、到達点として輝かしい組曲

まさに集大成です。乞うご期待。


ミュージカルやメトロポリタンオペラの冊子

クリニックFに帰ってきて、靖国神社と英国大使館前の桜をパトロール。

ニューヨークのブロードウェイで観てきたミュージカルやメトロポリタンオペラの過去の冊子を探してみました。

ちゃんと探せば、もっとありそうですね。

シカゴとオペラ座の怪人は何度か観てる事がわかりました。笑。

ロンドンはウエストエンドではこうした冊子はもらえないので、良い記念ですね。


『グレート・ギャツビー』(The Great Gatsby)

『グレート・ギャツビー』(The Great Gatsby)という作品に、みなさんはどんな思い出をお持ちですか?

フィッツジェラルドがこの名作を世に送り出したのは、今からちょうど100年前、1925年4月10日のこと。

偶然にもその記念すべきタイミングに、僕はこの物語の舞台でもあるニューヨークの地に立っていました。なんとも運命的というか、不思議な縁を感じてしまい、その足でミュージカルのチケットを手に入れたのです。

この小説、英語圏では「アメリカ文学の至宝」とも言われ、モダン・ライブラリーの“20世紀最高の英語小説ランキング”では第2位にランクされています。でも、正直なところ、最初に読んだときの僕はそこまで深く心を動かされませんでした。高校生の頃に手に取ったのは、野崎孝訳(1974年)のもので、誠実で丁寧な訳だったと思いますが、どこか作品との距離を感じてしまっていたんですね。

そんな印象が大きく変わったのは、ずっと後、大人になってから村上春樹訳(2006年)を読んだときのこと。

敬愛する作家の手によるこのバージョンは、とても軽やかでスタイリッシュ。けれどもその奥には、ギャツビーという男の孤独や、報われない想いの切なさが、静かに、そして深く流れていて……気がつけばページをめくる手が止まりませんでした。

まさに「文体の魔術」と言うべきでしょうか。翻訳が、原作に新しい命を吹き込む瞬間に立ち会ったような気がしました。

けれどもこの村上訳、魅力的である一方で、翻訳研究の世界では少なからぬ議論を呼んでいるとも聞きます。特に話題になったのが、ギャツビーの車の描写なんです。

原文ではただ “yellow car” とあるだけなのに、村上訳では「ジャガー」と車種名が挿入されていて、僕自身も「あれ? 1920年代にジャガーってもうあったっけ?」と違和感を覚えたのをはっきりと覚えています。

実際、当時のアメリカではジャガーはまだ高級車としては広く知られておらず、他の翻訳者たち——野崎孝訳、小川高義訳(2009年)など——は「黄色い車」とだけ訳しています。そのため、「これは村上春樹の大胆な演出なんじゃないか?」という声が出るのも、無理はありません。

では、それは「誤訳」だったのか? それとも、時代を越えて読者に作品を届けるための「創造」だったのか。

そんな問いが自然と浮かび上がってきます。

翻訳って、ただ言葉を置き換えるだけの作業じゃないんですよね。読者の心にどう届くか、その響き方までを考える、とても繊細で創造的な行為なんだと思います。村上春樹というフィルターを通して読んだギャツビーは、僕にとってはじめて「生きたキャラクター」として立ち上がってきた。だからこそ、あの訳には深い意味があったんじゃないか、と今では思うようになりました。

さて、そんなことを考えていた折も折。2024年3月29日からブロードウェイで幕を開けた新作ミュージカル『The Great Gatsby』を観劇。これがまた、想像以上の体験でした。

ギャツビー邸の贅を尽くしたパーティーは、まばゆい照明と華やかな衣装のなかで見事に舞台化されていて、観客を1920年代の狂騒の渦へと巻き込んでいきます。演者たちの表情も実に細やかで、ギャツビーの内に秘めた痛みや、デイジーとのすれ違いに胸を打たれました。

そして何より音楽の生演奏。どこか懐かしい旋律の中に、現代的なアレンジが加わっていて、物語に新しい深みが生まれていたのです。舞台ならではの解釈が加わることで、物語の本質がより鮮やかに、そして繊細に浮かび上がってきたように感じました。

翻訳でも映画でも、そして舞台でも物語はそのたびにかたちを変えながら、現代の僕たちの前に再び姿を現します。100年という時を越えてなお、ギャツビーは変わらぬ声で、今を生きる我々に語りかけてくる。

その“再生”の瞬間に立ち会えたことに、心からの感謝を込めて、この筆を置きたいと思います。


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